10.24.2009
Claudia Schiffer by Erwin Wurm for Vogue Germany November
以“一分鐘雕塑“聞名的奧地利藝術家Erwin Wurm是我非常喜歡的藝術家之一（作品包括之前Frieze Art Fair當中Pumpkin南瓜頭先生）。他的作品通常都有一種smart的幽默調調，畫面強烈且表達直接，例如How to Be Politically Incorrect、House Attack、Fat Car等，但是他奇特的創意和處理雕塑的邏輯和方式卻又令人拍案叫絕，通常都發生在隨處可見的場景當中，他的one-minute-sculptures也啟發了Red Hot Chili Peppers的Music Video Can't Stop。
上圖是Erwin Wurm在台北拍攝的作品(Taipei Outdoor Sculpture, The artist who swallowed the world,2007）
Erwin Wurm曾表示“我對時代精神（Zeitgeist）這個議題感到非常有興趣，所有在我生活周遭的材料都是有用的，因為這些都圍繞著當代社會。我的作品代表了所有人類，不管是物質、心靈甚至是政治。而且這些概念我希望越多人了解越好，而不只是菁英式的。”
至於這些天才絕倫的幽默感則是他看待事物的方式，因為他認為就算是討論重要議題都不必要那麼嚴肅，這些挖苦式的幽默會讓生活更加有趣。
Erwin Wurm和名模Claudia Schiffer合作的系列出現在十一月份德國版的Vogue，完全是藝術與時尚可以合作的如此巧妙的例子，bravo!
10.23.2009
Dutch Design Power: Introduction
如果你對荷蘭的認識還停留在風車、木鞋、鬱金香、填海造地，那你就太小看這個國家了。這個國家有一股新興的設計勢力正在醞釀著，一股足以顛覆全世界的力量，我想就叫他們Dutch Design Power吧！接下來的幾篇文章我想要好好介紹這些很棒的設計團隊。
(報紙上的一個藝術活動 你沒有看錯! 每一個都是裸體的人)
荷蘭是個領土面積極小的國家，但也因為如此的生存壓力，讓荷蘭人有別於多數歐洲人，具備了開放性格及對於文化的包容性，同時，他們也樂於嘗試開發不同的可能性。
據說他們在小學不只要學荷蘭文，還必須學習鄰近國家的語言：德文、法文及英文。當你到阿姆斯特丹旅行時，你會感到人民異常的親切與樸實（相較於總是覺得自己很高貴的英國人與民族自覺極強的法國人），但轉個彎卻是性行業盛行的紅燈區，很衝突對吧！不只如此在這裡大麻是合法的，可以盡情的沉浸在現實與虛幻之中。
沒有了限制並不會讓荷蘭人放縱糜爛，反而讓他們不害怕去嘗試新事物，且能懂得在拿捏分寸。我想以上的特質是創造荷蘭前衛設計風格的要素吧！對於在台灣教育體制下長大的我們總是被限制這個不可以做，那個不行，所以在創新的部分我們做的很辛苦。一直有人拿台灣和荷蘭作比較，或是希望可以以荷蘭作借鏡，但在＂限制＂這點上我們還是處於被動的，台灣創新文化產業，應該還有一段路要走。
10.22.2009
SHOWstudio: Fashion Revolution
SHOWstudio.com是由英國知名時尚攝影師Nick Knight在 2000年所建立的網站，這個時尚的影像實驗室來自於Nick Knight採用“to show“的概念，提供一個無界限的平台來分享所有創意和時尚，包括實驗性的互動project、影片和表演，合作過的時尚名人有Björk, Boy George, Gisele Bündchen, Kate Moss等。
而這個在倫敦Somerset House舉辦的Fashion Revolution正是希望以“展覽“的方式挑戰以往大家對時尚的表現只有伸展台或雜誌的了解，運用各種不同和觀眾互動的方式讓大眾參觀 SHOWstudio.com時能更貼近時尚。我想就算對時尚名人不是那麼熟悉的人，也會覺得這個展覽會是一場有趣的探險。
上圖是作品Naomi，八零年代最成功的時尚名模黑人名模Naomi Campbell的雕像，Nick Knight一直在她的模特兒生涯中擔任攝影師。這個雕像前有一個小小的互動螢幕，當你在上面作畫時就會在雕像上投射出來。SHOWstudio.com並在雕像旁邊設有收音麥克風，邀請參觀者們留下對Naomi Cambell的想法，並放在網站上跟大眾分享。
Phonecarte是SHOWstudio.com從2004年持續至今的計畫，邀請名模們在世界各地的時尚周(Fashion Weeks)之後以答錄機的方式留下個人的意見。這次的展覽就放置了Karen Elson、Lily Cole、Irina Lazareanu、Lily Donaldson的"電話"，（上圖即是Lily Cole的）這是一個難得的機會可以聽到他們的聲音，有一種和名模講電話的感覺，非常有趣。
另外還可以看到知名設計師Alexander McQueen即興創作的影片The Bridegroom Stripped Bare的影片，這些珍貴的片段都是大眾很難有機會可以看到的，令人驚訝的是他慣用的手法是直接在穿著衣服的男模身上剪裁。
Fashion Revolution還提供有趣的Live Studio(可惜的是這次去剛好不是拍攝時間)，每個禮拜都會開放讓大眾可以親眼看見時尚攝影的現場，包括知名攝影師Jason Evans、Alice Hawkins、Craig McDean ，拍攝也同步會載網站上播放。另外還有一個Casting的Project，每個來參觀的民眾都被邀請“試鏡“，而這些影片會上載到網站，Nick Knight和Jason Evans會真的選出入選者來邀請他們參與往後的作品拍攝，有種實境節目的刺激感！
我想這個展覽不僅僅是讓觀眾體驗新奇的時尚表面而已，參與此展覽的設計師和名人也都多的不勝枚舉，例如現場也可以看到Yohji Yamamoto、Martin Margiela設計的衣服打版、許多知名人士的深度訪談影片，例如大眾最好奇的名模Kate Moss、設計師Vivienne Westwood等、Nick Knight在 2004年為Brad Pitt拍攝的短片Freedom of Love，還有豐富的時尚短片，例如Craig McDean為Vogue雜誌拍攝的片段、Kate Moss的作品等，都可以在Fashion Revolution的展覽中一網打盡！
SHOWstudio: Fashion Revolution
17 September-20 December 2009
Somerset House
Embankment level
London
10.20.2009
The Photographers' Gallery
這個倫敦最大的公眾藝廊一共有四層樓，除了展間之外，二樓還有一個café和書店，如果想找攝影的專書，這邊是個很好的選擇；另外這裡的書店也販賣Lomo相機、Polaroid和各式底片。四樓則是專門讓想購買攝影作品的大眾開放的Print Sales，詳細的攝影師作品和提供給初學者購買的訣竅等，官方網站都有很詳細的資料，也提供很棒的Online Gallery。
The Photographer's Gallery並不只侷限於提供攝影作品展覽，更包括新人藝術家到歷史性的攝影等等各式各樣攝影形式的作品。目前的展覽是巴西藝術家Sara Ramo的Movable Planes(16 Octorber-29 November)和美國攝影師Jim Goldberg的Open See(16 Octorber 09-17 January 10)。
Sara Ramo的作品深受行為藝術影響，他的攝影作品和錄像都在看似平凡的居家擺設當中流露出超現實感的失序。靈感都來自於Ramo小時候的奇特幻想，這些看似流動的圖片中，非生命的物體卻彷彿給予生命一般在各個角落出現、移動，Ramo欲在Movable Planes中探討日常生活混亂與秩序的平行概念。
而Jim Goldberg的Open See則以攝影的方式記錄下從遙遠而貧窮的第三世界國家來到歐洲的“新住民“故事，這些受到貧窮、疾病侵襲的國家居民們，都對歐洲有一個美好的想像。Goldberg即以各式各樣的方式:例如拍立得、錄像、文字和大尺寸的照片來記錄，文字則通常由被記錄者親自在照片上寫下，這些故事通常都是傷心、不堪且非人道的，都赤裸裸的在照片當中呈現，所有作品都直接而現實記錄下這些新住民的故事。
10.18.2009
采采食茶文化 - CHA CHA THÉ
中國茶葉雖然歷史悠久且聞名於全世界，但鮮少出現茶葉的國際品牌。在歐洲有許多茶葉的品牌，例如英國的Whittard、Harrods、Twining，或是法國的Mariage Freres、Fauchon等都相當知名，精緻的包裝以及品質的維持都讓這些品牌歷久不衰。
而近期誕生的采采食茶是夏姿創辦人－王陳彩霞－新開設的茶品專賣店，位在台北東區的小巷弄內，簡潔素雅的外觀設計，搭配門口豎立三層樓高的椰子樹，讓人很難不去注意這家店。
目前茶的品項還不是很多，主要多為中國茶葉。而這家店在品牌的整體規劃與包裝設計上都花了很多心思。如同夏姿服裝品牌，采采巧妙的結合了中國傳統文化與時尚感，同時也有結合茶與點心的禮盒，可以依自己的喜好作搭配。除了傳統紙盒包裝，他們也推出了水墨畫系列的禮盒與瓷器罐裝禮盒，是包裝也是產品，是一個很有環保概念的創新手法。
另外，目前也有提供餐點。法式餐點結合台灣當地的食材，搭配上中國茶，也是一個很奇妙的中西融合（用餐需事先訂位）。店內還有一道用茶葉磚砌成的牆，用餐時也還可以聞到淡淡的茶香喔！如果想要找能代表中國文化且別具特色與高質感的禮品，很推薦到采采逛逛喔！
Christian Louboutin x Ladurée
今年九月，法國馬卡龍百年老店Ladurée邀請「紅底鞋王」Christian Louboutin為他們設計三款禮盒，在倫敦Harrod's及Burlington Arcade Gallery兩處販售。包裝盒上有鮮艷可口的macaron，各式美麗的Louboutin高跟鞋與女用錢包圖樣等。如小珠寶盒般精緻的設計讓這些小巧的甜點看起來真吸引人！
早年輟學的Louboutin，將他的創作靈感歸功於小時候在巴黎俱樂部裡觀察到的那些女郎。"(...about high-heels...) It's all about the legs, how they carry themselves, the embellishment of the body. They are the ultimate icons." 他如此說到。1992年他開始將紅鞋底放進他的設計。他認為那些鞋子們缺少活力，因此用紅色指甲油塗滿鞋底。後來這個構想受到極大的歡迎，紅鞋底因此成為他的永久商標。
10.16.2009
Frieze Art Fair 2009
Frieze Art Fair並在展覽會場三分鐘距離的公園設計了Sculpture Park，裡面的雕塑作品都是從藝廊當中選出的代表，上圖即是以“一分鐘雕塑“聞名的奧地利藝術家Erwin Wurm作品Pumpkin(2009)，另外此公園是不須門票的，一般大眾都可以入內參觀，裡面不乏世界知名藝術家的雕塑作品，如Paul McCarthy、Louis Bourgeois的作品等。
Frieze Art Fair帶給我最大的收穫除了在如此規模之大的藝術博覽會當中大開眼界，也常常在藝廊當中發現一些意外或驚喜的藝術家作品，例如來自奧地利的Galerie Martin Janda、瑞士籍藝術家Roman Signer、Team Gallery的英國畫家Dawn Mellor等，而上圖則是在英國當地以諷刺和幽默的插畫作品聞名的藝術家David Shrigley。
關於Frieze Art Fair的系列活動請參考
http://www.friezeartfair.com/
10.14.2009
Damien Hirst: 'No Love Lost, blue paintings' at the Wallace Collection
Damien Hirst在Wallace Collection的最新系列No Love Lost今天開始展出，這個在世界上享有極高聲譽的藝術家（也是史上在蘇士比拍賣中拍賣出最高價格作品Beautiful Inside My Head Forever的藝術家保持人）又再度以宣佈回歸“舊式“油畫創作驚嚇大家。
而事實上，Hirst的確一直是個畫家。他的第一個“斑點“被畫在1988年Freeze的牆上，之後他持續創作出將近八百幅斑點的畫。（雖然他記不太清楚正確的數字，因為在喝酒狂歡時送出了不少）但是為何停止如此高利潤的藝術創作？他表示“我很欣賞像河原 溫這種沒有終止的系列，但是我總是有分裂的人格，希望自己是不同的藝術家、有不同的系列。我喜歡這種斑點會引起如此概念性、永無止境的被看不見、想像中的藝術家或是某個機器人複製的概念。但是這種複製的現實情況是無趣的， 甚至最後的斑點作品都被躺著等著被丟棄了。“我在一個畫布前面畫一百萬個半毫米的斑點，將會花我三十五年以及六個人持續不停的工作。""我心想““Fuck that",然後丟掉他們。 “
在一個採訪中，Hirst表示“很多年輕藝術家常常對我說，你把所有藝術圈的錢都拿走了。但是他們不懂的是，我每年在藝術上花超過兩億英鎊！“。“這個大概是我職業中最大的一個轉折，我已經好幾年覺得那些"斑點"（指作品LSD）掐住我的脖子，我需要一些更深入的東西。這剛好是一個完美的時間點停止、有一個新的衝擊。現在很怪，藝術家通常都不做劇烈的改變，而是慢慢的成長。“
而事實上，Hirst的確一直是個畫家。他的第一個“斑點“被畫在1988年Freeze的牆上，之後他持續創作出將近八百幅斑點的畫。（雖然他記不太清楚正確的數字，因為在喝酒狂歡時送出了不少）但是為何停止如此高利潤的藝術創作？他表示“我很欣賞像河原 溫這種沒有終止的系列，但是我總是有分裂的人格，希望自己是不同的藝術家、有不同的系列。我喜歡這種斑點會引起如此概念性、永無止境的被看不見、想像中的藝術家或是某個機器人複製的概念。但是這種複製的現實情況是無趣的， 甚至最後的斑點作品都被躺著等著被丟棄了。“我在一個畫布前面畫一百萬個半毫米的斑點，將會花我三十五年以及六個人持續不停的工作。""我心想““Fuck that",然後丟掉他們。 “
因此，他關掉了兩間工作室，只剩下一間持續創作著這個“寫實“的系列。他表示“我對這個系列下了一個賭注，我覺得我必須要跟大家說“這是我正在做的事“，雖然這有可能是個錯誤。我從來都對作品沒有如此的滿意過，我覺得好像這些東西已經準備好一樣。“雖然這些從2006年開始獨立創作被叫做"Blue Painting" 的系列竟然會在如此充滿十八世紀古典又正統的畫作與傢具的Wallace Collection展出。“我會被批評吧？““他以為他是誰啊？培根嗎？（Francis-fuckin'-Bacon）“他說。
或許這是因為blue painting象徵了Hirst早期作品的努力，蔚藍色的區塊被白色斑點充斥、鬼魂狀的蝴蝶、煙灰缸的輪廓、櫥窗形狀的空間和不可或缺的骷髏頭。（請參考作品For the Love of God、Butterfly、The Acquired Inability to Escape等 ）死亡一直在他的作品中存在，但是謠言指出這次如此灰暗又孤單的系列與他生活中三位好友的死亡有關。（音樂家Joe Strummer、藝術家Angus Fairhurst和作家Gordon Burn）他表示"當我逐漸年長，我現在已經四十四歲了。之前我做的作品好像是某個更年輕的人創作的，我沒有看見這些閃耀的東西正帶我接近死亡，那些很多都是畫作，只是是虛無的，快樂的否認。然後我想到，我不能再否認這一切了，又或許是因為我正有中年危機。""我的確擔憂自己像 Frank Stella一樣，早期創作出超棒的作品但是沒人對他之後的作品有興趣。"Hirst正在尋找他自己的方向，他的作品和言辭將會更誠實，我們希望這些練習會使他的作品更加完美。
摘自Art Review,October 2009
Hertford House Manchester Square London
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